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Mie a Dom de 12 a 19 hs.

Bienal de la Imagen en Movimiento

Bienal de la Imagen en Movimiento

Muestra colectiva

Del 22 de Mayo al 30 de Mayo de 2017 - Inaugura: 19hs  - Entrada: libre y gratuita

 
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La muestra incluye  una selección de obras de la Biennale que se instalarán en  Fa ena   A r t  C ent er  de modo atípico, con  el fin de permitirles a los espectadores disfrutar de una experiencia inmersiva y única.  A su vez, la Sala Catedral funcionará como una  sala de cine en  el que cada noche se proyectarán diferentes obras de la exhibición.
 
La muestra llega a Buenos Aires poco después de su aclamada apertura en  el Fa ena   B a z a a r y Fa ena   Pa r k del Fa ena   D i s t r i c t  Mi a m i B e a c h  el pasado 13 de abril.
 
Coproducida en  conjunto con  el C ent r e d ’ A r t  C o nt em p o r a i n  Ge n è v e , con curaduría de An d r e a  B e l l i n i en  colaboración con  Ce c i l i a  Al e m a n i , Ca r o l i n e Bo u r ge o i s y El v i r a  D y a n ga n i O s e , la Bi e n n a l e o f M o v i n g  I m a ge s es un
hecho sin precedentes que reúne a artistas visuales, directores de cine y performers.
 
Así como en su presentación en Fa ena   M i a m i B ea c h , la Biennale en Buenos Aires incluirá artistas locales que aportarán una  nueva dimension y diversidad a la plataforma. De este modo, las obras de Cl a r a  Cu l l e n ,  S a b r i n a  F a r j i y Ag u s t i n a Wo o d g a t e se suman a las video instalaciones de Sophia Al-Maria, Karimah Ashadu, Pauline Boudry  & Renate Lorenz, Brian Bress, Salomé Lamas,  Wu Tsang, Emily Wardill, y las proyecciones de Yuri Ancarani, Evangelia Kranioti,  Boris Mitic, Kerry Tribe, Paris Kain y Jillian Mayer.
 
En su decimoquinta edición, es la primera vez que la Bi e n n a l e o f M o v i n g Im a g e s es coproducida por  una  institución latinoamericana, además de hacer su debut en la región. Con  una  amplia selección de video instalaciones, películas y documentales,  que por  lo general,  suelen proyectarse en cines, la Bi e n n a l e se ubica entre un festival  de cine,  una  constelación de video instalaciones y una plataforma para la investigación y la experimentación en  torno a la imagen en movimiento. Dentro de este formato, se invita a los artistas a explorar los límites de los medios tradicionales y crear obras site-specific para la bienal.
 
Durante la exhibición se presentará un programa de charlas y proyecciones especiales.
Acerca del programa, Alan Faena comentó: “Presentamos la Bi e n n a l e o f M o v i n g Im a g e s en  Buenos Aires,  una plataforma para el arte contemporáneo, enriqueciendo la trama  cultural de la ciudad”.
 
A diferencia de la mayoría de las bienales, BIM es única  en  su intención por comisionar a los artistas a producir obras sin necesidad de que respondan a lineamientos curatoriales predeterminados. Esta bienal ‘no curada’ vuelve a poner el foco  de la muestra en el estudio del artista y en su práctica. De algún modo, los trabajos incluidos parecen revelar varios  temas comunes, que pueden considerarse representativos del momento sociocultural actual.
 
En la muestra destacan obras que abordan la transmutación y políticas de género, la figura  de la mujer, la sensación general de pesados presagios, la angustia en  el ámbito cultural  mundial y, por último, cuestiones laborales, el desplazamiento y la explotación de los recursos.
 
“Nuestra colaboración con  Bi e n n a l e o f M o v i n g  I m a ge s es,  en  última instancia, un modo de abordar la presencia, el tiempo, el espacio físico y la duración, temas que nos  distinguen como organización. FAENA ART actúa como puente que conecta las Américas para generar interacción social y activismo cultural. Estamos orgullosos de ser una de las instituciones co-productoras de esta bienal  ‘no curada’, que ubica  la mirada  del artista en el centro del proyecto“, comenta Ximena Caminos, Directora Artística y Chair  de FAENA ART.

ARTISTAS PARTICIPANTES

LOS PROYECTOS PRESENTADOS EN BIM POR FAENA ART
VIDEOINSTALACIONES
 
Sophia Al-Maria
(1983. Tacoma, Estados Unidos) vive y trabaja en Londres.
The Limerent Object es una llamada-y-respuesta a través de las profundidades del
tiempo entre la última criatura viva del planeta y su antecedente extraterrestre.
Mezclando las teorías de la génesis panspérmica y de la extinción del Holoceno,
The Limerent Object yuxtapone pinturas rupestres y pornografía, una reina
alienígena y un humano agonizante, una voz y el silencio para evocar una historia de
amor que trasciende el desierto de los milenios. Este nuevo trabajo surge de la
angustia y el temor de la artista ante el futuro, y el resultado es un panegírico
poético del planeta Tierra y de quienes lo habitamos. De origen norteamericanocatarí,
Al-Maria trabaja con el concepto de “Futurismo del golfo”, cuyos
componentes incluyen el aislamiento de los individuos debido a la tecnología y al
Islam extremo, los elementos corrosivos del consumismo y la obliteración de la
historia ante la supremacía del combustible fósil. Algunas de sus fuentes de
inspiración son las imágenes derivadas del poshumanismo y la ciencia ficción.
 
Karimah Ashadu
(1985, Londres, Reino Unido) vive y trabaja en Ámsterdam, Londres y Lagos.
Red Gold es un cortometraje experimental que aborda el contexto socio-económico
de Nigeria. Antes de su independencia en 1960, Nigeria era uno de los principales
productores y exportadores de aceite de palma, pero desde el hallazgo de pozos
petrolíferos, la industria agrícola se descuidó. Sin ayuda del gobierno, los
campesinos con tierras y saberes transmitidos de generación en generación han
tenido que luchar duramente para mantener a sus familias y preservar su oficio.
Poniendo el foco en un grupo de esforzados productores de aceite de palma en la
provincia de Ekiti, al oeste de Nigeria, Ashadu reflexiona sobre los sentimientos de
independencia y de valor. Artista de origen británico y nigeriano, Ashadu utiliza
modos experimentales de capturar la imagen en movimiento con la ayuda de
artefactos confeccionados artesanalmente para explorar las percepciones del yo y
del lugar.
 
Pauline Boudry & Renate Lorenz
Silent comienza con una interpretación de la obra 4’33” de John Cage (1952). La
partitura fue concebida para cualquier instrumento e indica a el/los intérprete/s que
no toquen su/s instrumento/s en ningún momento durante las tres partes de 30’’,
2’23’’ y 1’40’’. Como resultado, el sonido ambiente del espacio “mudo” se
convierte en la sinfonía. La cantante Aérea Negrot interpreta la partitura en un
escenario giratorio en Oranienplatz, una plaza pública de Berlín donde tuvo lugar
una protesta de refugiados en forma de acampe entre 2012 y 2014. En la segunda
parte del film, interpreta una explícita canción dirigida a “Mr. President”, compuesta
especialmente para la obra, que trata los temas de la masculinidad, la feminidad y la
libertad. Trabajando como dúo desde 2007, Pauline Boudry (1972, Lausana, Suiza) y
Renate Lorenz (1963, Bonn, Alemania) proponen películas y performances que
recrean films y material de audio del pasado, exhumando momentos no
representados o ilegibles de la historia homosexual. Estos trabajos presentan un
corpus capaz no sólo de atravesar épocas, sino también de imaginar vínculos entre
esas épocas, y de ese modo vislumbrar la posibilidad de un futuro queer.
 
Brian Bress
(1975, Norfolk, Estados Unidos) trabaja y vive en Los Ángeles.
Man with Cigarette (On White) es una video instalación en cuatro paneles, que
presenta la imagen a tamaño natural de un hombre vestido de traje fumando un
cigarrillo. El retrato reproduce en tres dimensiones un dibujo encontrado, algo
torpe y hecho en tinta, en el que abundaban todo tipo de técnicas y detalles, así
como de errores de forma y perspectiva. Al igual que en obras anteriores, Bress
vuelve a abrevar en fuentes bidimensionales, como hizo con Dazzle Camouflage, de
Sol LeWitt, y se impone la improbable tarea de llevar lo que sólo puede vivir en dos
dimensiones a tres, para luego volver a comprimirlo en dos, todo por medio de la
pantalla de video. Las obras mediáticas de Bress, basadas en el tiempo, han sido
calificadas como inventivas, humorísticas e “incómodamente complejas”. Como
retratos, sus trabajos se apoyan en monitores planos, haciendo que parezcan fotos
convencionales o incluso pinturas, cada uno mostrando una o más figuras que se
tornan abstractas mediante el uso de máscaras y disfraces.
 
Salomé Lamas
(1987, Lisboa, Portugal) vive y trabaja en Lisboa.
Intentando reimaginar las tradiciones filmográficas de la etnografía, The Burial of the
Dead es una video instalación filmada en el pueblo peruano de La Rinconada –a
5.200 metros sobre el nivel del mar y al borde de una mina de oro– que captura un
mundo distópico difícil de imaginar en el siglo XXI. Lamas ha construido un tríptico
cinematográfico para transmitir lo extremo de la situación y la dimensión cabal del
sufrimiento que ésta encierra sin recurrir a imágenes gráficas. De hecho, es un
paisaje que recuerda los laberintos de Escher, de clima dantesco y perturbadora
belleza. Ocupando fértilmente lo que es tierra de nadie, Lamas intenta disolver la
división aparente entre documental y ficción. Interesada en la relación natural entre
narración, memoria e historia, al tiempo que usa la imagen en movimiento para
explorar lo reprimido traumáticamente, lo aparentemente irrepresentable o lo
históricamente invisible, Lamas presenta un amplio abanico de temas, que van
desde los horrores de la violencia colonial a los paisajes del capital global.
 
Wu Tsang
(1982, Worcester, Estados Unidos) vive y trabaja en Nueva York y Los Ángeles.
Duilian es un cortometraje experimental que toma la forma narrativa de una
“historia salvaje” (野史 “y
 
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